“知有儿童挑促织，夜深篱落一灯明”九首古诗词带你走近小小秋虫 儿童美术艺术科普 | 一份来自毕加索的“礼物”

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“知有儿童挑促织，夜深篱落一灯明”九首古诗词带你走近小小秋虫

白天断断续续的还能听到蝉鸣。

傍晚，雨后。不一样的虫鸣响在耳畔。

应该是蟋蟀的叫声吧？

《诗经》有云：“七月在野”，意思是说农历的七月蟋蟀就已经出现在田野中了。

蟋蟀亦称促织，俗名蛐蛐、夜鸣虫、秋虫、斗鸡、趋织、地喇叭、土蜇等等，哇，好多哦！

九首古诗词一起来看看古人作品中那小小的一只虫吧！

01、“七月在野，八月在宇，九月在户，十月蟋蟀入我床下”。

七月蟋蟀在田野，八月来到屋檐下。九月蟋蟀进门口，十月钻进我床下。

四句出自先秦佚名的《七月》（节选）：

五月斯螽动股，六月莎鸡振羽，七月在野，八月在宇，九月在户，十月蟋蟀入我床下。穹窒熏鼠，塞向墐户。嗟我妇子，曰为改岁，入此室处。

02、“促织甚微细，哀音何动人”。

蟋蟀的叫声十分微细，那哀婉的声音听在我的耳中却觉得是那么的动人！

两句出自唐代杜甫的《促织》：

促织甚微细，哀音何动人。

草根吟不稳，床下夜相亲。

久客得无泪，放妻难及晨。

悲丝与急管，感激异天真。

03、“促织鸣已急，轻衣行向重”。

深秋里蟋蟀的鸣声已经很急促了，单衣也已无法抵挡寒意，准备添加厚重的衣服了。

两句出自唐代王维的《黎拾遗昕裴秀才迪见过秋夜对雨之作》：

促织鸣已急，轻衣行向重。

寒灯坐高馆，秋雨闻疏钟。

白法调狂象，玄言问老龙。

何人顾蓬径，空愧求羊踪。

04、“秋夜促织鸣，南邻捣衣急”。

秋天的夜晚，寂静而清冷，只有蟋蟀在尽情地鸣叫。天气渐凉，南边邻家发出急促的砧杵声，他们正在加紧敲打新织好的布帛，用以给人们制作寒衣。

两句出自南北朝谢脁的《秋夜》：

秋夜促织鸣，南邻捣衣急。

思君隔九重，夜夜空伫立。

北窓轻幔垂，西户月光入。

何知白露下，坐视阶前湿。

谁能长分居，秋尽冬复及。

05、“晨风怀苦心，蟋蟀伤局促”。

鸷鸟在寒风中苦涩地啼叫，蟋蟀也是因为寒秋降临才伤心哀鸣不已吧。

两句出自两汉佚名的《东城高且长》：

东城高且长，逶迤自相属。

回风动地起，秋草萋已绿。

四时更变化，岁暮一何速！

晨风怀苦心，蟋蟀伤局促。

荡涤放情志，何为自结束！

燕赵多佳人，美者颜如玉。

被服罗裳衣，当户理清曲。

音响一何悲！弦急知柱促。

驰情整巾带，沉吟聊踯躅。

思为双飞燕，衔泥巢君屋。

06、“蟋蟀在堂，岁聿其莫”。

天气寒凉，小蟋蟀悄悄躲进了屋子里，一年匆匆过去，转眼间就临近岁暮了。

两句出自先秦佚名的《蟋蟀》：

蟋蟀在堂，岁聿其莫。今我不乐，日月其除。无已大康，职思其居。好乐无荒，良士瞿瞿。

蟋蟀在堂，岁聿其逝。今我不乐，日月其迈。无已大康，职思其外。好乐无荒，良士蹶蹶。

蟋蟀在堂，役车其休。今我不乐，日月其慆。无已大康，职思其忧。好乐无荒，良士休休。

07、“促织惊寒女，秋风感长年”。

蟋蟀的叫声让感到天寒的女子暗暗心惊，因为这习习秋风，不但让人感觉到了深深的寒意，更让人感觉到这似水的年华正匆匆流逝。

两句出自唐代孟浩然的《的题长安主人壁》：

久废南山田，叨陪东阁贤。

欲随平子去，犹未献甘泉。

枕籍琴书满，褰帷远岫连。

我来如昨日，庭树忽鸣蝉。

促织惊寒女，秋风感长年。

授衣当九月，无褐竟谁怜。

08、“疏篱草径行人少，蟋蟀吟时正夕阳”。

雨后风凉，竹篱那边荒蔓草的小路上没有几个行人，夕阳西下，蟋蟀们你唱我和叫得正欢。

两句出自清代李四维的《蟋蟀》

山郭江村雨后凉，西风吹冷豆花香。

疏篱草径行人少，蟋蟀吟时正夕阳。

09、“知有儿童挑促织，夜深篱落一灯明”。

天色已晚，忽然看到远处篱笆下的一点点灯火明灭不定，料想是顽皮的孩子们在捉蟋蟀玩儿吧。

两句出自宋代叶绍翁的《夜书所见》：

萧萧梧叶送寒声，江上秋风动客情。

知有儿童挑促织，夜深篱落一灯明。

小时候小伙伴们捉过蟋蟀、斗过蛐蛐的，有没有？


儿童美术艺术科普 | 一份来自毕加索的“礼物”

英剧《神秘博士》有这么一幕：当梵高穿越到现代的艺术博物馆里，亲眼看到人们边欣赏他的画作边大加赞赏时，顿时热泪盈眶。

这个画面不免让人心疼。

19世纪末-20世纪初的巴黎，聚集了一大批才华横溢心怀梦想的年轻画家，但能名流青史的不过尔尔。

相比于沉默的大多数以及梵高这种死后才扬名的画家来说，毕加索或许是最好命的那一个。

巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）西班牙画家、雕塑家，现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表， 20 世纪最伟大的艺术家之一。

他没有抑郁症也没有身患绝症，健健康康地活到了92岁；

他没有受尽冷眼怀才不遇，15岁时就因《第一次圣餐仪式》为人所知，被称为天才少年；不满19岁时，就在巴黎举办了第一次画展；不到30岁，就创作出传世杰作《亚维农少女》，让立体主义由此诞生；

最重要的是，他是史上第一位在世时就能看见自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。

不过现在只要谈到毕加索，就一定绕不开这些问题：

为什么他的画风总是这么奇怪？

他画这些，是想表达什么？

他是怎么火起来的？

为什么别人看得懂，我看不懂？

01

孩子是我们的老师

毕加索曾经说过：“我在小时候已经画得像大师拉斐尔一样，但我却花了一生的时间去学习如何像小孩子一样作画。”

当时有人问毕加索：你画的是什么东西？毕加索反问：鸟叫是什么东西？

你以为他这样说是自恋?那我们就走进他的小时候，来看看他四岁时候的作品。

从构图到色彩搭配到人物形象，从遮挡关系到动态把握，这是一个四岁连笔都拿不稳的小朋友的作品，想想四岁的我们在做什么，玩泥巴？？

你觉得这已经很优秀很震惊了？完全不够！

注：上面两幅作品出自十几岁的毕加索

有没有被深深震撼到，我们以为画画连孩子都比不过的毕加索，竟然年轻时候的作品写实到如此地步。

所以，毕加索说的在小时候画得像大师一样真的不是在夸张。

那为什么毕加索之后的作品变成了那个样子？作为艺术史上的超级大师，毕加索为什么要像孩子一样画画？

02

思考的法则

毕加索自己给出的解释是：

“当一个画家看到他所要画的对象的正面时，难道对象就没有侧面和背面么？……我们能不能‘同时地’把它们画出来呢？也就是说能不能用‘二维’的画布画出‘多维’的物体呢？”

他希望在画作上去表现一个动态的人物，一个具有“双面性”而不单调的个体，他一直在思索，在改变（虽然在我们看来这些似乎是“逆生长”的

），他不断尝试也成就了他不断超越自己、富于变化的艺术风格。

他第一次形成自己的风格是1900-1903，这期间被称为"蓝色时期"。他在这一时期，目击贫困、绝望与孤寂的人们，加上好友卡萨赫马斯自杀的影响，其作品常以蓝色为主调，加强了忧郁和悲哀的气氛。

这个时期作品中，人物蓝， 头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他一切作品，背景简化（如《熨烫衣服的人》），避开光感和深度的感觉，把人物结合成一种简单的图样，其中沉重，强烈而流动的线条，给人以不真实的、虚拟世界的印象（如《两姐妹》）。

注：《老吉他手》1903、《忧郁的女人》1903、《汤》1903、《盘发的女人》1904

1904年春，毕加索在巴黎蒙马尔特区永久地定居下来，随着他迁居巴黎，他的蓝色风格时期也宣告结束。柔和的粉红色调开始渗透到他的画布上的单一蓝色中去（《扇子女人》），很快成为他画布上主要的颜色（《花篮女人》）。那种暖洋洋的、娇滴滴的玫瑰红色代替了空洞抽象、沉重抑郁的一片蓝色。

注：《费尔南德头像》、《扇子女人》

在1907年，毕加索从事一件有重大意义的作品的创作，这件作品是他的经验总结，并且标志着他未来的活动朝现代派方向发展，这部作品就是《亚威农少女》。

这部作品是毕加索变革性画风的里程碑之一。

它颠覆的地方在哪里呢？

我们知道，此前传统的画，都是有一个焦点的，这是西方传统绘画的一大特征，从数百年前的文艺复兴时期就开始了，这就叫做“透视法”。

而在毕加索的这幅《亚威农少女》里面，我们却看不到常规的透视法，甚至一时间，我们都不知道该把视线往哪里放好。在画中，连人的身体部位也不是遵照传统方法来画的，人的左右两侧都能被同时看到。

这位西班牙画家的着眼点，不像野兽派那样放在色彩上，而是放在形体上，他采用灵活多变且层层分解的、雄浑有力的、宽广而有概括性的平面造型的手法，把形体的结构随心所欲地组合起来。这些平面甚至发展到超越单个的物象，囊括周围的全部空间。

还有这么一个细节，大家看少女们的脸，可能会觉得好像在哪里见过，一下子说不上来，但其实我们都是非常熟悉的，那就是非洲面具，这些线条粗壮、神秘粗犷的面具，也同样被收在人类学博物馆中。

大量吸收、学习亚非艺术之后，毕加索突破了欧洲传统美学的限制，还学会了如何打破透视的规则，用狂野、黑色的线条，来将物体重新构成、组合。

此外，画面的强化变形，其目的也是增加吸引力。毕加索说：“我把鼻子画歪了，归根到底，我是想迫使人们去注意鼻子。”

当时不少画家还没有达到完全理性地控制物体，但是，毕加索的画已经开始预告“后浪”们必须走上的一条道路。

作为丈夫和父亲，毕加索可能是不合格的，但作为一个艺术家，他是永远值得尊敬的存在。

03

童真的守护

对于传统的绘画方式，当时的大多数人想也不想地就接受了，并且贯彻实施了一辈子。只有毕加索，一直怀疑着、突破着。

这幅《亚威农少女》在面世后的十几年中使法国的立体主义绘画得到空前的发展，甚至还波及到芭蕾舞、舞台设计、文学、音乐等其他领域。这就是艺术带给我们生活的变化。即自古以来，尤其在西方，艺术家都是按照“上帝所造之物”的形象来画画的。但自毕加索以后，人类具备了和上帝一样的能力—创造万物的能力。

一旦这种变化被建造出来，人们就会跟着艺术去做。而毕加索就是这方面的先行者。所以就算很多人看不懂毕加索的作品，还是会恭恭敬敬称毕加索为一声“大师”。

说到底，根本原因还是毕加索敢于对世界指定的规则说不。他的画不是“教条”，也不是对自然的简单模，而是他的一颗真心，这也是为什么他总说：像小孩子一样作画。

因为技巧听命于感觉，感觉听命于审美，审美听命于素养，素养来于读书、体验和眼界、视野；而视野需要保留一份“童真”。

不止毕加索，马蒂斯、康定斯基、米罗都很赞赏儿童画。

注：马蒂斯《国王的悲伤》、米罗《华丽翅膀的微笑》

如果你认真观察孩子的画，就会发现，这些作品，有一种艺术创作上的“童真”。

斯玛特一直主张，绘画是一种表达，孩子内心自由了，生活有情趣了，才会有绘画的愿望，一旦儿童失去了这些，为了某种目标，成人的希望，以后觉得会有用，这就由表达演变成了表演，学画也就由为自己高兴演变成了为取悦别人的一个活动，这样的儿童绘画已经远离了儿童本性。

李睦老师曾经在「艺术的启示：家长必读的十个问题」中提到孩子主动绘画与被动绘画的问题：

实际上多数孩子的画我认为都是被动的，因为它们程度不同地受到教师有意识的引导和鼓励，这所谓的引导和鼓励也是被动局面产生的原因。因为这样画会受到表扬，甚至物质刺激，孩子就会去追求，追求原来并没有想要做的事情，这就叫做被动；

孩子的天性中原本有喜欢画画的一面，但画画的意义是喜欢描绘他们自己的愿望，也可以说是梦想、是幻想，再成熟一点应该是理想，这就叫做主动。那么美术教学中的老师们该干什么呢？老师的作用是帮助孩子发现愿望、实现愿望，并将此作为视为自己的教育理想。好的老师不是把自己擅长的东西教给学生，而是发现学生擅长什么。

这与斯玛特长期倡导的理念不谋而合。斯玛特儿童美术教育的本质是引导，不是教。引导是启迪，教是塑造，启迪画的是孩子自己的创意，教画的是别人的安排。

儿童画写生不是看画的物体结构有多难，比例有多对，造型有多准，而是看儿童观察到什么，画出了什么细节，是否投入，是否积极主动，是否有悟性，是否有灵性，是否有情趣，是否有美感，是否是这个年龄段的认知。

与所有斯玛特家人们共勉：

幼儿有一个天然的阶段性发展时间表，其中每一个阶段都是时间表中的一个环节，3岁有3岁的形态，5岁有5岁的样式，7岁有7岁的画面。这些环节环环相扣，上下衔接，不能提前，也不能推后，设法保护儿童画的兴趣是首要任务。

儿童美术教育真正目的，不是创造更多的美术作品，而是培养一个善于创造性思维，会欣赏，懂鉴赏，有艺术素养有气质和高素质的人。培养孩子独立思维、善于观察、自主表达、懂得审美是送给孩子最好的礼物。